Spectacles, duo sur scène, soirées repas-spectacle et instants partagés pour commencer 2026 ensemble.
Les dates indiquées sur cette page correspondent à nos prestations.
Cependant, nous ne gérons ni les réservations ni les demandes d’informations.
Pour réserver ou obtenir plus de renseignements, merci de contacter les ORGANISATEURS.
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Sur scène, je ne cherche pas à empiler des numéros. Ce qui m’anime profondément, c’est le spectacle vivant, celui qui avance, qui respire, qui ne se fige jamais. Et c’est exactement pour cela que le duo occupe une place si essentielle dans mon travail.
Avec Tony Parkan, nous ne sommes pas simplement deux artistes côte à côte. Nous formons un duo pensé comme un mouvement continu. Être deux, pour moi, c’est permettre au spectacle de rester en vie du début à la fin.
Travailler en duo change profondément mon rapport aux chansons. À deux, elles cessent d’être figées. Elles deviennent des matières vivantes que l’on peut modeler, étirer, murmurer ou faire éclater.
Dans un spectacle comme CALINEment TONYk, cette liberté est presque instinctive. Les titres se transforment, se répondent, parfois se détournent. Une chanson peut devenir un dialogue, un jeu de regards, un terrain d’expression partagé. Le public n’écoute plus seulement une interprétation, il assiste à une rencontre.
L’un des grands bonheurs du duo, c’est cette sensation que le temps travaille avec nous.
Pendant que l’un est sur scène, l’autre se prépare. Pendant que la voix habite l’espace, la métamorphose s’opère en silence.
Dans certaines formes plus intimes, comme Or du Temps, cette alternance prend une douceur particulière. Le rythme est posé, enveloppant, presque confidentiel. La voix porte la mémoire, pendant que je prépare la suivante apparition. Rien ne s’interrompt, tout se prolonge.
Le public ne voit pas les changements, mais il sent que le spectacle continue à vivre, même quand il croit être dans une respiration.
Ce que j’aime profondément dans le duo, ce sont ces retours à deux. Après un passage solo, après une transformation, se retrouver sur scène donne du sens à ce qui précède. Le duo devient un point de repère, un fil invisible qui relie les tableaux entre eux.
Dans des formats plus épurés comme Écrin et Diamant, ces retrouvailles prennent une autre saveur. Elles sont plus discrètes, plus précieuses, presque suspendues. Mais leur rôle est le même : rassembler ce qui a été vécu séparément.
Être en duo m’a appris à penser chaque spectacle comme une traversée plutôt que comme une succession. La voix n’est pas là pour combler un silence, pas plus que la transformation n’est là pour illustrer une chanson. Tout s’entrelace.
Cette construction donne au public une sensation très particulière : celle de ne jamais sortir de l’histoire. On ne passe pas d’un numéro à un autre, on avance, simplement, guidé par une énergie qui change de forme mais ne s’éteint jamais.
Ce duo, c’est moi.
Il correspond à ma manière d’être sur scène : généreuse, mouvante, attentive au rythme et aux émotions. Je n’aime pas les cadres figés. J’aime quand la scène vit, quand elle s’adapte, quand elle dialogue avec le public.
Être deux, ce n’est pas faire plus.
C’est faire juste, ensemble.
Et tant que je sentirai cette circulation entre la voix, la transformation et le regard du public, je saurai que le spectacle est exactement là où il doit être : vivant.
Quand je joue en duo, je ne me contente pas de présenter un spectacle.
J’invite le public à entrer dans un mouvement, dans une histoire qui se construit en direct.
Et quand, à la fin, je sens que l’émotion a voyagé de la scène à la salle et qu’elle nous relie tous, je sais que le duo a rempli son rôle :
faire du spectacle un moment vivant, partagé, et profondément humain.
sam 14 mars @ 19h00 – dim 15 mars @ 0h30
Éclat D’Jeunesse présente
📅 Samedi 14 mars 2026 🕢 19h00 📍 Oulchy-le-Château – Salle Polyvalente
Plongez dans l’univers envoûtant du cabaret parisien avec Paris la Nuit, un spectacle porté par Miss Caline
Danseuses, chanteur, transformisme… une soirée élégante, festive et pleine de surprises vous attend !
Le spectacle sera suivi d’une soirée dansante animée par Lucas Smash
🍽️ Menu inclus
Apéritif
Tartine Landaise
Trou Normand
Biseau de suprême de poularde, pommes de terre sarladaises, champignons & châtaignes
Assiette de fromage & salade
Choux craquelin
💶 Tarifs
Adultes : 49 € | Enfants (- de 12 ans) : 15 €
🎗️ Soirée de financement pour le Festival Les Nouvelles Étoiles en collaboration avec Paul événement / Solu-tech
🎟️ Réservation
📞 07 85 60 06 30
📱 En ligne ICI
Une nuit parisienne… sans quitter l’Aisne.
Réservez vite, les étoiles n’attendent pas !
sam 7 mars @ 19h30 – dim 8 mars @ 1h00
La date indiquée sur cette page correspond à ma prestation.
Cependant, je ne gère ni les réservations ni les demandes d’informations.
Je vous donne rendez-vous au cabaret La Belle Époque, pour un repas-spectacle envoûtant.
Au programme : un délicieux déjeuner convivial suivi d’un voyage au cœur du transformisme et du cabaret.
Entre rires, émotions et glamour, je vous promets un moment magique à savourer sans modération.
Mon planning se construit au fil des projets, et plusieurs dates restent néanmoins ouvertes. N’hésitez pas à me contacter pour connaître les disponibilités et envisager ensemble la formule la plus adaptée à votre événement, professionnel ou particulier.
On peut croire que changer d’avis, c’est se contredire. Pour moi, cela a été l’inverse. Longtemps, j’ai refusé certains numéros rétro, non par rejet du passé, mais parce qu’ils étaient déjà omniprésents sur scène. Avec le temps, mon regard a évolué.
Cet article raconte comment et pourquoi j’ai choisi de les réinventer, à ma manière.
Il fut un temps où mes certitudes semblaient solides.
Quand je travaillais dans des salles de spectacles en Picardie, de nombreux « transformistes » incarnaient les mêmes grandes figures du répertoire populaire : Édith Piaf, Sylvie Vartan, Rika Zaraï, Mireille Mathieu, Dalida, …
Ces personnages étaient partout. Trop présents. Trop semblables.
Entre nous, je les appelais « les mortes ».
Le mot était dur, volontairement provocateur. Avec le recul, je le sais. À l’époque, il traduisait surtout la distance artistique que je ressentais. Je percevais ces numéros comme des hommages respectueux mais enfermés dans une époque, d’autant plus qu’ils étaient déjà incarnés par beaucoup d’autres transformistes. De mon côté, je ne voulais pas entrer dans un moule ni refaire ce que tout le monde faisait.
Mon envie allait ailleurs : vers le mouvement, la création et l’évolution. Je ne m’y reconnaissais pas encore, ni artistiquement, ni scéniquement.
Mon intention n’était pas de rejeter le passé, mais de moderniser l’esprit des lieux, d’éviter que le spectacle ne paraisse trop vieillot ou figé.
Je proposais des tableaux modernes, des créations originales, de l’audace, de l’humour, du glamour. Madonna, Shy’m, Superbus, Mylène Farmer, Lady Gaga, Kylie Minogue.
Je voulais une scène vivante, actuelle, capable de parler à de nouveaux publics tout en restant spectaculaire.
Ce que le public ne voyait pas, c’était le travail en coulisses.
J’ai accueilli certains « artistes » chez moi.
Je leur ai créé leurs bandes-son, gratuitement.
Sans contrepartie. Juste pour aider. Juste par amitié.
Un travail discret, souvent invisible, mais essentiel.
Je donnais sans compter, convaincu que le respect allait de soi.
Je n’ai jamais eu de problème avec l’humour.
Rire ensemble : oui. Humilier : non.
Certaines paroles allaient trop loin. Dites derrière mon dos, puis excusées (quand je les entendais) par un simple « c’est pour rire ».
« Forcément qu’elle a du succès, elle fait la pu*e. »
À propos de mon numéro de Lady Gaga, artiste sulfureuse s’il en est, comme si l’audace devait forcément être salie.
« Maquillage douteux. »
À propos de mon sketch comique sur Marianne James dans la diva allemande Maria Ulrika Von Glott. (Un personnage, volontairement peu connu, pensé comme une création comique avant toute recherche de ressemblance.)
« La moche en string. »
À propos de mon tableau de plumes.
« Alors, t’as vidé ton avion et déchargé tes camions ? »
Après mon retour de dates extérieures estivales, suivies par France 3, en dehors des établissements.
Il y en a eu beaucoup d’autres. Des interpellations (discrètes, mais que j’entendais) : « Le truc » « La chose » « Le travelo » …
Pris séparément, ces mots pouvaient sembler anodins. Ensemble, ils créaient un malaise.
Et le plus lourd n’était pas ce qui se disait, mais le silence autour.
Tout le monde savait. Personne ne disait stop ou me défendait.
Lors de mes dates extérieures, je choisissais de m’entourer des mêmes personnes.
Je ne faisais pas que les programmer : je créais de vrais numéros en duo et en troupe, pour offrir des spectacles cohérents et aboutis.
Mon intention était claire : construire un ensemble fluide, où chaque tableau avait du sens, et penser le spectacle comme un tout.
Je le faisais avec sérieux, avec engagement. Et peut-être aussi avec une part de naïveté.
Celle de vouloir fédérer et valoriser des personnes qui, dans l’ombre, me dénigraient.
À un moment, une évidence s’est imposée.
Continuer, c’était accepter.
J’ai donc choisi de ne plus travailler avec ce type de fonctionnement, sans colère ni éclat, simplement par respect pour moi-même.
Mais cette décision a laissé un vide.
En avançant seul, je me suis rendu compte que quelque chose manquait.
Ce souffle rétro. Ces chansons populaires que le public reconnaît immédiatement.
C’est là que mon regard a changé.
Je n’avais pas rejeté ces artistes.
J’avais rejeté la répétition, le copier-coller, le manque de point de vue.
Alors j’ai fait ce que je sais faire : créer.
J’ai donné naissance à mes propres versions d’Édith Piaf, de Sylvie Vartan, de Dalida, de Cher.
Pas des imitations. Des relectures personnelles. Des costumes repensés. Des choix musicaux audacieux. Des medleys, pour raconter une carrière, une émotion, une époque.
Honorer, sans figer. Respecter, sans imiter.
Il arrive que mes numéros, repris ou retravaillés au fil du temps, soient présentés sans que leur origine ne soit clairement mentionnée.
Sans entrer dans une polémique, il me semble important de rappeler une chose simple : un numéro est avant tout le fruit d’une création personnelle. Il naît d’une idée, d’un imaginaire, de choix artistiques précis, puis se construit et évolue au fil des années.
Mes numéros m’appartiennent parce que je les ai pensés, conçus et développés. Ils portent une intention, une écriture scénique et une vision qui me sont propres. Le fait qu’ils puissent être interprétés ou adaptés ailleurs ne change rien à leur origine ni à leur identité.
Aujourd’hui, je défends une vision claire.
Une scène vivante.
Un humour assumé, jamais humiliant.
Des numéros rétro… réinventés.
Changer d’avis n’est pas une faiblesse. C’est une évolution.
Et si mes spectacles mêlent désormais modernité et répertoire ancien, c’est parce que j’ai compris une chose essentielle :
L’élégance ne se joue pas seulement sur scène, elle se mesure aussi dans la façon de traiter les autres.
Avec le temps, j’ai compris que refuser n’était pas un rejet, mais une étape. Et que changer d’avis ne signifiait pas se renier, mais se trouver.
Aujourd’hui, je n’oppose plus le moderne au rétro. Je les fais dialoguer.
Je prends ce qui résonne, je transforme, j’adapte, je crée.
Parce qu’un numéro n’est jamais figé.
Parce qu’un spectacle évolue avec celui ou celle qui le porte. Et parce que la vraie fidélité à un art, ce n’est pas de le répéter, mais de le faire vivre.
Si j’ai changé d’avis, c’est parce que j’ai gagné en liberté. Et cette liberté, aujourd’hui, je la partage sur scène.
Créer, ce n’est pas refaire. C’est oser évoluer.
