sam 10 janvier @ 19h30 – dim 11 janvier @ 0h30
La date indiquée sur cette page correspond à ma prestation.
Cependant, je ne gère ni les réservations ni les demandes d’informations.
Cette date est déjà bloquée pour un engagement artistique.
Mon planning se construit au fil des projets, et plusieurs dates restent néanmoins ouvertes.
N’hésitez pas à me contacter pour connaître les disponibilités et envisager ensemble la formule la plus adaptée à votre événement, professionnel ou particulier.
Quand la scène continue, même lorsque le cœur vacille
Il y a des soirs où tout va bien. Et puis il y a ceux où la vie, elle, a décidé de tout bouleverser. Pourtant, les projecteurs s’allument. La musique démarre. Le costume m’attend. Et moi, je dois entrer en scène.
Être artiste, c’est aussi cela. Mettre sa vie personnelle entre parenthèses, même quand elle tremble, même quand elle fait mal. Le public, lui, ne sait rien. Et c’est parfois dans ce silence que naissent les émotions les plus intenses.
Sur scène, je porte bien plus qu’un maquillage ou un costume. Je porte une énergie, un sourire, une présence. Ce masque me protège. Et en même temps, il m’expose.
Parce que sous les paillettes, il y a un être humain. Avec ses joies, ses peines, ses tempêtes intérieures. Certains soirs, ce masque devient un refuge. D’autres fois, il devient un défi.
Il suffit parfois d’une chanson. D’un regard dans la salle. D’un mot entendu en coulisse. Et l’émotion surgit, brute, imprévisible. Elle dépasse le cadre du numéro. Elle traverse la prestation. Elle s’infiltre dans chaque geste.
Alors je continue. Je danse. Je joue. Je transforme. Mais au fond, quelque chose d’encore plus vrai est en train de se produire. La scène devient un exutoire. Une respiration. Une façon de tenir debout.
On croit souvent que le public ne perçoit que le spectacle. En réalité, il capte beaucoup plus. Une fragilité dans un regard. Une intensité inhabituelle dans un mouvement. Une vibration différente dans la voix.
Ces soirs-là, il se passe quelque chose d’étrange et de magnifique. Un lien invisible se crée. Sans explication. Sans mots. Juste une communion d’émotions.
J’ai appris au fil des années que la scène pouvait être un refuge. Un endroit où déposer ce qui pèse, sans l’expliquer. Où transformer la douleur en énergie. Où continuer à avancer, malgré tout.
Certains soirs sont plus lourds que d’autres. Mais paradoxalement, ce sont souvent ceux-là qui laissent les souvenirs les plus forts. Parce que l’émotion y est vraie. Vibrante. Indomptable.
Il y a aussi une autre réalité, plus discrète, mais tout aussi forte. Certains spectacles se préparent très longtemps à l’avance. Parfois plus d’un an. Des équipes s’organisent, des budgets sont engagés, des attentes se construisent. Derrière chaque date, il y a des personnes, des structures, des publics qui comptent sur nous.
Alors même quand la vie vacille, même quand l’émotion est trop lourde, il y a cette promesse silencieuse que l’on ne peut pas briser. Éthiquement, humainement, on ne plante pas une date. Parce que ce rendez-vous dépasse l’artiste. Il appartient aussi à tous ceux qui l’ont préparé, attendu, espéré.
Ils m’apprennent la force. La résilience. L’engagement. Ils me rappellent que ce métier n’est pas qu’un art. C’est une vocation. Un don de soi. Une présence offerte, même lorsque l’on vacille à l’intérieur.
Ils me rappellent aussi pourquoi je continue. Pourquoi je monte encore sur scène. Pourquoi je me transforme, soir après soir.
Ces soirs où l’émotion dépasse le spectacle, je ne joue pas seulement un rôle. J’offre une part de vérité. Je tends un fil entre ce que je vis et ce que je partage.
Et si le public repart avec un sourire, un frisson, une émotion, alors tout prend sens. Même les silences. Même les combats invisibles.
Parce qu’au fond, la scène n’efface pas la vie, mais elle lui offre parfois un chemin de lumière pour continuer d’avancer.
Quand le temps suspend son souffle et que les souvenirs dansent avec la musique
Dès les premières secondes, je le ressens. L’atmosphère n’est pas la même. Le silence est habité, les regards sont plus profonds, le temps semble ralentir. Jouer pour les seniors, ce n’est pas seulement proposer un spectacle. C’est entrer dans une mémoire vivante, dans une histoire collective tissée de chansons, d’émotions et de souvenirs.
Ici, chaque note réveille une époque. Chaque apparition devient une rencontre. Et moi, sur scène, je ne suis plus seulement Miss Caline. Je deviens un trait d’union entre hier et aujourd’hui.
Contrairement à certaines salles où l’applaudissement se retarde, ici, tout est immédiat. Le sourire surgit sans filtre. Le regard s’illumine sans retenue. Les rires éclatent parfois avant même la chute du numéro.
Ce public ne joue pas à être touché. Il l’est, profondément. Et cette sincérité me traverse de part en part. Elle me rappelle pourquoi je suis montée sur scène la toute première fois.
Lorsque les premières notes d’une mélodie familière s’élèvent, quelque chose de magique se produit. Les lèvres murmurent les paroles. Les mains battent la mesure. Parfois même, un pas de danse ose se glisser entre deux fauteuils.
Ces chansons ne sont pas seulement des titres. Ce sont des fragments de vie. Des rendez-vous amoureux. Des bals d’antan. Des souvenirs de jeunesse. Et les interpréter devant celles et ceux qui les ont vécus transforme totalement mon rapport à la musique.
Dans ces spectacles, je reçois des choses que je ne retrouve nulle part ailleurs. Une main qui tremble d’émotion. Une larme discrète. Un « merci » soufflé à la fin du show, comme un secret partagé.
Ici, l’émotion ne se dissimule pas. Elle s’offre. Elle circule. Elle relie. Et chaque représentation devient un moment suspendu, profondément humain.
Le glamour, les plumes, les costumes, les transformations… tout est toujours là. Mais la magie prend une autre couleur. Elle devient plus douce. Plus enveloppante. Plus intime.
Je ne joue pas seulement pour impressionner. Je joue pour rassurer, pour faire rêver, pour rappeler que le spectacle continue, quel que soit l’âge, quel que soit le chemin déjà parcouru.
Jouer pour les seniors, c’est une leçon de vie permanente. Une leçon de courage, de mémoire, de dignité et de joie malgré tout. Ils me rappellent que la scène n’est pas seulement un espace de performance. C’est un espace de lien.
À chaque représentation, je repars différente. Plus ancrée. Plus reconnaissante. Plus consciente du rôle que l’art peut jouer dans une existence.
Que ce soit pour une résidence senior, un EHPAD, une association ou un événement intergénérationnel, je crée chaque spectacle avec la même exigence : celle du respect, de l’émotion et de la magie partagée.
Si vous souhaitez offrir à vos résidents, à vos proches ou à votre public un moment lumineux, chaleureux et profondément humain, je serai ravie de vous accompagner.
Découvrez mes spectacles pour les seniors, contactez-moi ou demandez un devis pour illuminer votre événement.
Entre paillettes, émotions et métamorphoses, les festivités de fin d’année sont un terrain de jeu idéal pour faire briller l’art du transformisme.
Les fêtes de fin d’année ont toujours eu une saveur particulière pour moi.
À cette période, tout s’accélère : les salles se remplissent, les sourires se multiplient et les spectacles prennent une dimension encore plus féérique.
Comités des fêtes, EHPAD, cabarets, associations… partout, on ressent cette envie de se rassembler et de célébrer.
Et quoi de mieux que le transformisme pour offrir cette parenthèse enchantée ?
À partir de novembre, l’effervescence monte : les demandes affluent de toutes parts.
Comités des fêtes, collectivités, EHPAD, cabarets et entreprises recherchent un spectacle festif capable de rassembler toutes les générations.
Chaque prestation devient alors unique : parfois intimiste, parfois grandiose, mais toujours portée par l’envie de créer un moment chaleureux et lumineux.
Les festivités réveillent notre besoin de magie.
Transformations rapides, incarnations multiples, énergie scénique… le transformisme rassemble et émerveille.
Dans les EHPAD, les résidents retrouvent des souvenirs et des chansons.
Dans les comités des fêtes, les familles s’enthousiasment et s’émerveillent.
C’est un spectacle intergénérationnel qui touche au cœur.
Ce que j’aime le plus, c’est la sincérité du public à cette période.
Chaque applaudissement semble plus chaleureux, chaque sourire plus lumineux.
Les fêtes rapprochent les gens — et moi, je deviens le fil conducteur de ces instants précieux.
C’est un privilège d’apporter un peu de magie à cette période si spéciale de l’année.
Que ce soit pour un comité des fêtes, une maison de retraite, un cabaret ou une soirée privée, mes spectacles s’adaptent à toutes les ambiances et configurations.
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Le cinéma, comme la scène, possède ce pouvoir fascinant : celui de transformer. Il brouille les frontières entre le réel et l’imaginaire, joue avec les apparences et révèle les vérités les plus profondes sous les lumières de la fiction. À travers lui, la métamorphose devient un art, une affirmation de soi, un manifeste de liberté. Pour les artistes transformistes, drag queens et travestis, le grand écran a souvent été un miroir bienveillant, un espace où la différence se fait beauté et où chaque personnage, aussi extravagant soit-il, raconte quelque chose d’universel : le besoin d’exister pleinement.
Il y a des films qui ne se contentent pas de divertir : ils illuminent, éveillent les consciences et célèbrent la différence.
Dans le monde du transformisme, le cinéma a toujours été un allié de taille. Il a su capter cette magie du changement, ce pouvoir de se réinventer sans cesse — un peu comme sur scène, quand chaque entrée est une nouvelle naissance.
À travers l’histoire du septième art, plusieurs chefs-d’œuvre ont osé mettre en lumière les artistes drag, travestis et transformistes.
Ces films, souvent drôles et poignants à la fois, racontent la même chose : la liberté d’être soi, coûte que coûte.
Je vous invite à un voyage à travers ces œuvres cultes qui ont marqué les esprits et continuent d’inspirer les artistes d’aujourd’hui — moi y compris.
Dans cette comédie musicale signée Blake Edwards (1982), Julie Andrews incarne une chanteuse sans le sou qui trouve la gloire en se faisant passer pour un homme travesti en femme.
Sous ses airs légers et jazzy, Victor Victoria aborde avec une finesse incroyable la question du genre et du regard des autres.
C’est un film qui brouille les frontières entre masculin et féminin, tout en restant d’une élégance folle.
On y rit, on y chante, on s’y interroge. Et surtout, on découvre que la transformation n’est pas un mensonge : c’est parfois le seul moyen de révéler sa véritable identité.
Mon ressenti personnel :
Victor Victoria est un film qui m’a inspiré bien avant même mes débuts d’artiste transformiste.
J’y ai vu pour la première fois cette grâce, cette justesse dans le jeu et cette liberté absolue dans le fait d’endosser plusieurs rôles à la fois.
Une œuvre qui m’a profondément marqué et qui, sans le savoir, a peut-être planté une graine dans mon parcours artistique.
Difficile d’évoquer le transformisme sans parler de ce chef-d’œuvre australien de 1994.
Trois drag queens embarquent dans un bus rose baptisé Priscilla pour traverser le désert.
Ce voyage haut en couleur devient une ode à la tolérance, à la fierté et à la résilience.
Entre les paysages flamboyants, les tenues extravagantes et la bande-son culte, Priscilla, folle du désert célèbre la puissance de la différence.
C’est un film qui fait rire autant qu’il émeut, tout en rappelant que l’on peut être fort, même sous des talons de quinze centimètres.
Mon ressenti personnel :
Priscilla m’a profondément touché.
Au-delà des paillettes et de l’humour, ce film porte un message universel : celui d’être soi dans la diversité.
Chaque personnage y incarne une vérité, une fragilité et une force qui résonnent encore aujourd’hui dans ma manière d’aborder mes numéros et d’assumer pleinement mon art.
Bien avant l’explosion de la culture drag, La Cage aux Folles ouvrait déjà la voie à la comédie transformiste.
Sorti en 1978, le film met en scène Michel Serrault et Ugo Tognazzi dans un duo irrésistible, à la fois tendre et explosif.
Derrière les fous rires et les plumes, se cache une histoire de famille, d’amour et de tolérance.
C’est une œuvre profondément humaine, qui prouve qu’on peut parler de différence avec humour, mais aussi avec beaucoup de cœur.
Un monument du cinéma français qui reste, encore aujourd’hui, d’une modernité désarmante.
Mon ressenti personnel :
La Cage aux Folles m’a révélé un jeu d’acteur absolument génial de Michel Serrault, un comédien hétéro capable d’incarner avec une justesse bouleversante un personnage transformiste.
Cette performance m’inspire à chaque fois que je rentre dans mon propre personnage de Miss Caline : cette même sincérité, cette même humanité derrière le maquillage et le rire.
Direction les États-Unis avec ce film Extravagances (To Wong Foo, Thanks for Everything! Julie Newmar) de 1995 réunissant Patrick Swayze, Wesley Snipes et John Leguizamo, transformés en drag queens aussi sublimes que courageuses.
Leur périple à travers l’Amérique profonde devient une leçon de bienveillance et de résilience.
Ce que j’aime dans Extravagances, c’est cette façon d’associer humour, humanité et glamour sans jamais tomber dans la caricature.
Chaque scène respire la bienveillance.
Et surtout, chaque regard de ces héroïnes en perruques et faux cils rappelle qu’il faut parfois beaucoup de courage pour oser être soi-même.
Mon ressenti personnel :
À l’image de La Cage aux Folles, Extravagances m’a impressionné par la sincérité et la justesse du jeu d’acteur, mais ici du côté drag queen.
Voir des acteurs hétéros incarner avec autant de respect et d’émotion des personnages hauts en couleur m’a profondément touché.
Ce film rend hommage à l’art du transformisme avec une noblesse rare.
Sorti en 1996, Pédale douce de Gabriel Aghion raconte la double vie d’un publicitaire de jour et d’une drag queen de nuit.
Avec Patrick Timsit et Fanny Ardant, le film mêle humour, tendresse et célébration de la différence.
C’est une comédie pétillante où la sincérité et la joie de vivre effacent les préjugés.
Mon ressenti personnel :
Ce film m’a beaucoup marqué par sa chaleur humaine et son ton bienveillant.
Il montre un univers de cabaret vibrant, sans moquerie ni exagération, et un profond respect pour la diversité.
J’y retrouve cette même énergie de troupe et de complicité que dans les coulisses de mes propres spectacles.
En 2003, Gad Elmaleh surprend le public en incarnant Chouchou, un jeune travesti venu du Maghreb pour refaire sa vie à Paris.
Le film, réalisé par Merzak Allouache, aborde avec une grande douceur les thèmes de la tolérance, de la différence et de l’intégration.
Mon ressenti personnel :
Chouchou m’a profondément touché par sa sincérité et sa bienveillance.
Le personnage est lumineux, attachant et d’une humanité désarmante.
C’est un film qui rappelle que l’acceptation de soi commence souvent par le regard des autres — et qu’un sourire peut parfois tout changer.
Inspiré d’une histoire vraie, Les Crevettes pailletées (2019) raconte l’aventure d’une équipe de water-polo gay pleine de fantaisie.
Entre rires, émotion et solidarité, le film célèbre la diversité et l’importance du collectif face aux préjugés.
Mon ressenti personnel :
J’ai adoré l’énergie et la générosité de ce film.
Il montre la force du groupe, la bienveillance et l’amitié au cœur du message LGBT+.
Un souffle d’optimisme, de fierté et de respect — comme un grand éclat de rire partagé après le rideau final.
Inspiré d’une histoire vraie, Kinky Boots raconte la rencontre improbable entre un jeune patron en difficulté et une drag queen flamboyante.
Ensemble, ils décident de créer une ligne de bottes à talons pour hommes, sauvant ainsi l’usine et redonnant espoir à tout un village.
Entre rires, musique et émotions, le film délivre un message universel : la différence n’est pas un handicap, mais une richesse.
C’est une belle leçon d’ouverture, où le cabaret et le monde du travail s’unissent dans un pas de danse inattendu.
Plus sombre, plus intime aussi, ce film culte du début des années 2000 plonge dans l’univers punk et poétique d’Hedwig, une chanteuse transgenre à la voix écorchée et au cœur immense.
Entre concerts électrisants et confessions déchirantes, Hedwig and the Angry Inch explore la quête d’amour et d’identité avec une intensité rare.
C’est un film qui transcende les genres, au sens propre comme au figuré.
Sous son maquillage qui coule, Hedwig incarne la douleur de la transformation, mais aussi sa beauté.
Un cri du cœur, un hymne à la résilience.
De Victor Victoria à Les Crevettes pailletées, chaque film raconte une vérité différente, mais un même combat : celui de l’authenticité.
Derrière le maquillage et les projecteurs, il y a des êtres humains qui cherchent simplement à exister, à être aimés, à être vus.
Ces films ont marqué l’histoire parce qu’ils ont osé montrer le transformisme et la différence non pas comme une excentricité, mais comme un art de vivre et d’exister.
Ils ont ouvert la voie à la tolérance, inspiré des générations d’artistes et contribué à faire briller la culture queer sur grand écran.
Et si, au fond, chaque spectateur sort de ces films un peu plus libre, alors la magie a bel et bien opéré.
En tant qu’artiste transformiste, ces films m’inspirent profondément.
Ils me rappellent pourquoi je monte sur scène : pour faire sourire, émouvoir, réfléchir — et parfois, aider à faire tomber les masques.
Chaque œuvre citée est comme un miroir tendu à mon propre parcours : elle me renvoie à cette quête d’authenticité qui traverse tout artiste, à ce besoin de créer un pont entre le rêve et la réalité.
Dans les regards des personnages, dans leurs hésitations et leurs éclats de rire, je retrouve mes propres émotions avant d’entrer en scène.
Le cinéma, tout comme le cabaret, est un espace de liberté où l’on se réinvente, où l’on ose être plusieurs à la fois sans jamais trahir qui l’on est vraiment.
C’est cette alchimie entre le vrai et le faux, entre la lumière et l’ombre, qui me fascine tant.
J’y vois un prolongement naturel de mon art : un langage universel où la transformation devient une manière d’exister pleinement, d’offrir une part de soi au public.
Derrière leurs dialogues, leurs chansons et leurs paillettes, je retrouve cette même énergie que dans le cabaret : un mélange d’humour, de poésie et de sincérité.
Chaque transformation, qu’elle soit filmée ou vécue sur scène, raconte une histoire d’amour — l’amour de soi, du public, de la différence.
C’est une célébration de la vie dans tout ce qu’elle a de fragile, d’extravagant et de merveilleux.
Et chaque fois que les lumières s’éteignent, je me dis que le cinéma et la scène partagent un même secret : celui de la métamorphose comme acte d’amour.
Car se transformer, ce n’est pas se cacher — c’est au contraire se révéler autrement, offrir au monde une facette nouvelle de soi, avec la même passion et la même sincérité.
C’est là, je crois, que réside toute la beauté du transformisme : dans cette magie qui transcende le regard, unit les cœurs et rappelle que, sous chaque costume, bat un être profondément humain.
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